Lo nuevo de Darren Aronofsky, madre!, nos ofrece una película protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem en la que madre y Él viven un momento idílico en su paraíso particular. Pero todo se va transformando cuando hombre y mujer aparecen en su casa sin previo aviso. Al responder a esa llamada todo su mundo se altera y a medida que se van presentando más y más invitados, madre se verá obligada a cuestionarse todo…sobre el amor, la devoción y el sacrificio.
Acerca de madre!
vivir en tiempos trastornados
Este thriller se comenzó a gestar cuando su guionista y director Darren Aronofsky se encontraba encerrado durante cinco días delante del teclado, solo en una casa vacía. Aronofsky era consciente de que el resultado de esa clausura le sirviera para enfrentarse a algunas cuestiones apremiantes… ¿por qué esa visión tan oscura? ¿Tendrá respuesta? Mira a tu alrededor:
Vivimos en tiempos realmente trastornados. Nos acercamos a alcanzar los 8.000 millones de población mundial, enfrentándonos así a cuestiones muy preocupantes como para imaginarnos sus consecuencias: Los ecosistemas se colapsan, siendo testigos de la extinción a un ritmo nunca antes visto; las crisis migratorias desbordan a los gobiernos; unos alienados Estados Unidos que ayudaron en la elaboración de un tratado referente sobre el cambio climático, y unos meses después abandona ese tratado; las creencias antiguas y las guerras tribales siguen provocando división y conflictos; el mayor iceberg de la historia conocida se ha desprendido del casquete polar antártico y va sin rumbo por el océano. A la vez, nos enfrentamos a cuestiones que llegan a ser ridículas para alcanzar comprenderlas: En América del Sur los turistas han matado hasta en dos ocasiones a dos crías de una raza poco común de delfín por el mero hecho de tomarse selfies con ella, asfixiandolos por el frenesí del momento; la política cada vez nos recuerda más a los acontecimientos deportivos; encontramos seres humanos muertos por hambre y en cambio hay otros que tienen cualquier cosa que se les antoje. Como especie dominante, nuestro impacto sobre la salud de planeta ha llegado a ser insostenible, y sin embargo, negamos cualquier síntoma derivado y sobre el lugar que ocupamos en el mismo.
Así pues viendo todo este caldo de cultivo que desprende angustia y desesperanza, el director reconoce que una mañana se levantó y la película le salió de dentro. Reconoce incluso que hasta ahora sus anteriores seis películas le costó años de gestación, pero en cambio Madre! La concluyó en 5 días con la elaboración de la primera versión del guión, un año después empezó a rodarse.
Pasaron dos años después de ese extenso fin de semana y madre! se estrenaba mundialmente en el 74º Festival Internacional de Cine de Venecia, y entraba en la selección oficial en competición por el premio León de Oro a la mejor película. Y después de su estreno en Estados Unidos llega ahora a España.
El propio ha admitido que esta película es muy complicado de concretar en que género se encuentra, ya que en parte es debido a que ni el mismo es capaz de identificar el origen de todos los contenidos de esta película ya que en parte todo esto proviene de “Los titulares a los que nos enfrentamos cada día, otra parte proviene del constante zumbido de nuestros smartphones, otros elementos directamente después de haber sufrido un apagón provocado por un Huracán (Sandy) en Manhattan, como otras tantas que saliendo directamente de mi corazón, las entrañas,… Todo ello es, seguramente una receta que no volveré a repetir en la vida, pero estoy más que convencido de que esta es la mejor manera de enfrentarse, de un trago.”
Jennifer Lawrence en madre!
la candela romana
Después de las primeras lecturas del guión por parte de algunos de los colaboradores de mayor confianza del director, este llegó a manos de la actriz Jennifer Lawrence y su reacción fue “muy, muy intensa”, y su respuesta no se hizo de esperar ya que se embarcó en este proyecto inmediatamente. Esto le sirvió a Aronofsky, para conseguir que la cinta se rodara ya que como bien explica el director: “Si tienes a Jennifer Lawrence, tienes una película.”
El sí de la actriz le daba la oportunidad de añadir una historia sobre una invasión de un hogar o “home invasion” en su haber. La propia actriz reconoce que “Una de las mejores que cosas que puede ocurrirle a un artista, es formar parte parte de una película que sirva para comenzar conversaciones, porque es una idea original”. “A pesar de que las escenas que estemos rodando sean tan inquietantes de por sí, la alegoría subyacente es aún más sobrecogedora. La clave está en el significado del conjunto”.
Encontrando así un millón de facetas diferentes en esta película con las que las personas conectarán de alguna u otra manera, asustándose o intrigándose. Ya que describe lo seductor que puede resultar interpretar el papel de una madre, una esposa devota y musa del enigmático poeta interpretado por Javier Bardem, ya que enamorarse es una experiencia estremecedora. ¿Te hace sentir tan vulnerable, es algo aterrador. ¿Cómo te sobrepones a la vulnerabilidad? Aterrador también.
En cuanto a la candela romana, es de esperar una experiencia metafórica inquietante, que seguramente conmocionará y agitará al público.
rompiendo con lo establecido
Así pues en cuanto la actriz y el coprotagonista, Javier Bardem, estaban a bordo de este proyecto, este cobró un impulso automáticamente. Y fue entonces, cuando Aronofsky hizo algo que no había hecho antes: ensayar durante tres meses en un escondido almacén de Brooklyn. Los productores Ari Handel y Scott Franklin (Cisne negro) se unieron al trío para trabajar sobre el guión. Las últimas dos semanas se sumaron Michelle Pfeiffer, Ed Harris, Domhnall Gleeson y su hermano Brian Gleeson y Kristen Wiig que no se unió a este hasta un momento más adelante.
Una vez en ese almacén el director se encargó de marcar en el suelo con cinta una maqueta a escala de la casa dónde ocurre la historia, trabajando conjuntamente con el director de fotografía Matthew Libatique, con el que ha trabajado en seis de sus películas, e incluso rodaron una versión de prueba de toda la película. En esa prueba no encontramos ninguna pared, sólo las marcas en el suelo, el propio Aronofsky recuerda que “Conseguimos rodar todas las tomas junto con Andy Weisblum, mi editor, hicimos un montaje de todo el material rodado. Dónde estudiamos una versión de 90 minutos, sin peluquería y sin maquillaje. Lo que conseguimos fue una impresión de todos los movimientos necesarios de la cámara, su evolución y el arco de los personajes durante toda la película, antes de rodar la primera escena.”
Este hecho era importante para el director ya que estaba decidido a rodar la película únicamente desde el punto de vista de madre, así que el director de fotografía tenía una serie de limitaciones al respecto. E incluso para conseguirlo Libatique contó con una serie de coreografías con la cámara se movía sobre la casa “tomas únicas y largas con la cámara en la mano, subiendo y bajando escaleras, recorriendo sus pasillos estrechos”.
Este no era el único desafío al que se enfrentaba ya que al encontrarse ante solo un puñado de tomas generales cuando Lawrence está sola, la mayor parte de las tomas son sobre su hombro, de su rostro o de lo que está mirando. Limitando así el número de tomas que llegan después a la sala de montaje. Este hecho afirma Aronofsky “Que tenía que ser muy específico y hacerlo bien, si esta hubiera sido una película normal, y no hubiese tenido una colaboración tan buena con Paramount, creo que se habrían asustado, no seguía los recursos normales.
La veterana Pfeiffer indicó que “Darren puso el listón muy alto, para él… y para todos los demás.” en referencia a la larga duración de las tomas y a las tomas demenciales, teniendo que recordar el guión mientras los actores evitaban no tropezar con el propio equipo siendo un desafío constante.
Durante el ensayo, el director reconoce que estuvo nervioso, en cambio Lawrence se encontraba muy tranquila, siendo este uno de los papeles más diferentes a los que se había enfrentado hasta el momento y el director se cuestionaba si podría llegar a conseguir todo lo que se había imaginado con ese personaje, llegado el momento se sorprendió del resultado tanto que parecía que madre había cobrado vida delante de él.
marcando las paredes
La casa se había convertido en otro de los personajes de la película, encontrarla se convirtió en algo esencial. Aronofsky recurrió a la labor del Diseñador de producción Philip Messina, para que este construyese una casa. A pesar de que toda la película ocurre en la misma casa, fue todo un trabajo de construcción. Al principio parece que está terminada pero esta se va transformando, atravesando así muchos niveles de destrucción. Con lo que la historia al tener lugar solamente en la casa, el desafío consistió en conseguir que este personaje fuese una fuente de continuas sorpresas.
Aronofsky y Messina diseñaron una casa que contara con la estética adecuada, para ello ambos tuvieron que estudiar muy profundamente sobre arquitectura. Tanto que se entusiasmaron al descubrir una serie de casas victorianas, construidas con una planta octogonal con ocho lados, ya que ese número compartía estrechos vínculos con la alegoría de la película. Y esto permitía al público ver lo que ocurría en varias habitaciones a la vez. Esta búsqueda desencadenó además en una serie de circunstancias imprevistas.
Finalmente construyeron la casa de verdad en Montreal… dos veces. La primera vez se construyó una planta junto a un campo permitiendo así conseguir todas las secuencias con luz de día, y estas fueron rodadas por orden. Después se construyó la casa con las tres plantas en un plató de rodaje de Montreal y se pudieron grabar así las escenas de noche. A medida de que la película avanza, esta se va adentrando más y más en la noche, una especie de evolución en una larga y compleja barrida.
Para sus actores, que pasaron de un espacio de ensayo imaginario al mundo real hecho, fue toda una transformación. Fue cuando los actores empezaron a profundizar más y más en sus papeles ya que percibian la casa como si fuera un ser vivo.
el reparto y los personajes
“pasamos todo nuestro tiempo aquí, quiero crear un paraíso. “
…madre
Jennifer Lawrence explica que cuando conoces a su personaje, te das cuenta de todo el amor y pasión que ha puesto en esta casa, ya que esta ha reconstruido la casa de su marido, arrasada por un incendio antes de conocerse, todo ello por el amor que siente por Él. Pretende crear un lugar perfecto para ellos él es un poeta asombroso que necesita que lo reverencien constantemente. Ella se siente deslumbrada por su marido, tanto es así que él termina acostumbrándose a su admiración, tanto que termina necesitando un nuevo estímulo. Como suele ocurrir con cualquier relación en la que ya no eres suficiente. Él termina no sintiéndose estimulado por ella.
Es entonces cuando Ed Harris (hombre) aparece por primera vez otro personaje completamente diferente de Javier o de Jennifer, un completo desconocido, algo que terminad siendo interesante para el personaje de Javier, y un poco desconcertante para madre. Ya que la manera en la que Él y hombre conectan es algo intimidante… y esa sensación aumenta durante toda la cinta.
“lo único que trato de hacer es traer algo de vida a esta casa. “
…Él
El personaje de Bardem ocupa el centro de la casa con su despacho, su santuario particular, donde trabaja y donde se encuentra su posesión más preciada, un misterioso objeto de su anterior vida antes de madre. Y el misterio sobre él no deja de crecer a medida de que avanzamos en su historia. Su personaje va evolucionando durante la película de forma muy sutil, posee además una oscuridad inherente y terminas descubriendo que los rasgos de este personaje que muestra al final de la película, han estado presentes a lo largo de toda la trama. Simplemente estaban ocultos.
“amor a primera vista.”
“lo mismo digo.”“
…hombre y mujer
La tensión entre Bardem y Lawrence empieza a notarse cuando el personaje de Harris, hombre, llega a su casa. Es entonces cuando empiezan a pasar cosas más extrañas. Harris y su esposa (Pfeiffer) son una pareja muy “afectiva”, representan muchas de las cosas que le faltan a Él y madre. El personaje de Pfeiffer requiere una destacada combinación de seducción y agresión al igual que Harris que se encuentra ante un personaje muy original y novedoso.
Para ellos madre! ha supuesto y exigido mucho esfuerzo e incluso ha sido muy divertido, ya que han disfrutado de una nutrido elenco y grupo de actores consiguiendo una verdadera sinergia.
Pero esta llegada al hogar de madre! es solo el comienzo, ya que este misterioso matrimonio recién llegado tienen dos hijos interpretados por los hermanos Gleeson, y estos tienen sus propios problemas. Presentados los hermanos en la vida real Domhnall y Brian Gleeson, estos irrumpen en la casa, y esto genera una mayor tensión, a medida que cada vez se presenta más gente en la casa, madre presiona a Él para que les haga marcharse. Este es el estímulo que finalmente se le ha presentado.
Javier Bardem y Jennifer Lawrence
el receptáculo
“madre! es en definitiva un thriller psicológico, y su público percibirá la importancia que tiene para nuestro mundo actual. Esta contiene un elemento de suspense, inquietante y agobiante, pero es un género en sí mismo, madre! En definitiva es un receptáculo y todos los temas que se emplean en ella están vistos mediante sus ojos.
Tanto es así que Darren pretenden abordar al público desde ángulos completamente nunca antes vistos e insospechados.
A pesar de contar con todo ese talento en pantalla y con esa enorme experiencia del grupo de actores, en ningún momento encontramos improvisación alguna a pesar de que Aronofsky es un líder colaborativo y que permite incorporar aportes de sus actores durante el proceso, Darren es un visionario muy específico.
Durante los meses de análisis del guión descubrieron un libro, Woman and Nature, de Susan Griffin. Una obra con filosofía de los años 70, que servía como ejemplo para su historia por la forma en que los hombres tratan a veces a las mujeres, y la forma en que la gente trata al planeta. Ese libro les permitía crear esas dos historias; la historia de una relación y la historia de nuestro mundo, y que estas funcionen a la par simultáneamente.
la madre del invento:
la fase de postproducción
Mientras Aronofsky y su equipo trabajaba en el proceso de montaje, se enfrentaron al montaje más complejo de toda la carrera del director, ya que este proceso les costaría casi un año de trabajo. Según el propio director de montaje, Andrew Weisblum: “Debido a las estrictas reglas que nos habíamos impuesto por la gramática subjetiva, en combinación con la estructura casi de tiempo real, lineal, no podíamos usar los trucos habituales: No se podía usar un cambio de plano, ni pudiendo emplear una toma simple… no había dos tomas, no pudiendo manipular la estructura dejando cosas al margen, o cambiando el sentido de las imágenes.
Sin duda alguna esas limitaciones son la madre del invento, con esas imposiciones el equipo creativo se vio obligado a reflexionar sobre las opciones que tenían, y de esa manera llegaron a invenciones que nunca se hubieran planteado en otro caso. ¿Cómo se le muestro al público lo que ha pasado? Así pues Darren y su equipo contaba con una gran cantidad de material filmado; tomas alternativas y experimentos varios, imaginando como transmitir ese pulso narrativo, el pulso emocional y el personaje. Empleando incluso llegado el momento, el sonido para llenar las lagunas en las escenas en las que no se veía lo que se quería que el público supiera, empleando ademas efectos visuales, para manipular el tono de la película y plantear ideas que eran verdaderamente subjetivas, además de lo que ya estaba presente en todo ese material rodado.
Otro de los planteamientos fue la banda sonora de la película. Con lo que Aronofsky consiguió la participación del famoso compositor Johann Johannsson (La llegada, Sicario, La Teoría del Todo). Mientras Aronofsky y Johannsson analizaron las diferentes alternativas, se dieron cuenta de que la mejor opción era, a la vez, la más arriesgada, apartándose así de cualquier convencionalismo.
Siendo además una de las mayores complicaciones de madre! Ya que la hicieron sin música, a pesar de que contaban con una música estupenda y con uno de los mejores compositores, la música ofrecía un problema, orientaba al público hacía una dirección, después de explotar todas las posibilidades y analizarlas, Aronofsky y Johannsson decidieron que la mejor partitura para madre! sería una partitura inexistente.
El propio Johannsson comenta al respecto: “madre! es una película en la que las medias tintas no tienen cabida, y después de que Darren y yo explorásemos muchos enfoques diferentes, mi instinto me aconsejó eliminar la música por completo. Eliminar material es una gran parte del proceso creativo, y en este caso, sabíamos que teníamos que llevar este enfoque hasta su extremo lógico.”
Aronofsky añade: “La mecánica de madre! hace que el público no sepa dónde está: No dejan de mirar a Jen para ver dónde están, pero realmente su personaje realmente no sabe cómo asumir ciertas cosas. Fluye constantemente entre diferentes emociones, diferentes pensamientos. Así que queríamos que el público tuviese que saltar hacia lo desconocido, no queríamos darle un punto de apoyo que le transmitiese emociones sencillas.”
Director Darren Aronofsky en el set de madre!
su estreno
madre! llevaba más de un año envuelto en misterio, así que Aronofsky abrió el apetito de su público con un póster de Lawrence que fue encargado al artista James Jean (Fables, The Umbrella Academy). Este se publicó el día de la madre, seguido por otro poster este verano protagonizado por Bardem. Los aficionados empezaron a buscar pistas sobre la temática de la película con el diseño mostrado. Seguidamente para atraer esa curiosidad, Aronofsky convirtió su Twitter personal en un punto de encuentro y lanzaba pistas sobre madre!. Aprovechando la oportunidad regodeándose ha ido retirando lentamente la cortina que cubría su película, a su ritmo.
El propio director reconoce que “No se me da nada bien hacer películas de género. Ya que π (Pi) fue un intento de hacer ciencia ficción, pero no lo conseguimos con Noé no era la típica película bíblica. Y nadie sabe si Cisne negro trata sobre una película de ballet o una cinta de terror. ¿Sobre madre!? Realmente hay elementos que dan mucho miedo, pero también encontramos suspense y romance, cosas surrealistas. Sé que las mejores películas son aquellas de las que no dejas de hablar constantemente después de haberlas visto. Y ese interés surge del esfuerzo por superar las limitaciones, por tratar de hacer algo completamente diferente”. Ya que para el director esto es lo más importante ya que cuenta que cuando era un cineasta joven, un día estaba sentado en una cafetería, junto al NuArt (Theater) de Los Angeles, cerca de donde se proyectaba π (Pi) y en ese momento entraron varios clientes; un padre con su hija de 18 años y algunos amigos de la hija. Se sentaron allí y entonces se pusieron a hablar sobre el tema de la película que habían visto. Siendo ese momento para Darren Aronofsky un momento muy especial, ya que podía conocer (espiando) una conversación sobre una cosa en la que había trabajado mucho, siendo esta “una sensación muy gratificante.
Lo peor que le puede pasar con madre!, cree que “después de dos horas pienses ¿Qué película hemos visto esta noche?. Ya que el director pretende ofrecer al público algo en lo que pueda pensar. Sobre esta película sabe que “habrán muchos debates acalorados, y eso es parte de la diversión.”… ¿Por qué tanta oscuridad? Sencillamente porque Hubert Selby Jr. (autor de Réquiem por un sueño), le enseñó que fijando la vista en nuestras partes más oscuras es como (realmente) podemos encontrar la luz.
