Segunda parte del reportaje dedicado al thriller de ciencia ficción, La Llegada, en la que conoceremos todos los detalles relacionados con la película de Denis Villeneuve, separado en dos partes debido al gran contenido de texto que había.
EL VESTUARIO DE LA LLEGADA
“Renée es una artista muy sensible a la que le interesa crear personajes”, explica Villeneuve sobre la diseñadora de vestuario Renée April. “Aporta mucha humanidad y dimensionalidad a los personajes. Decidimos espontáneamente que Louise Banks llegaría al campamento base pensando que no iba a pasar allí más de dos o tres días, sin saber que pasaría allí meses, así que pasaría de llevar indumentaria civil a militar”.
El vestuario de Ian Donnelly seguiría la misma lógica. “Hicimos lo mismo con el personaje de Jeremy Renner”, prosigue Villeneuve. “Me encanta Renée, porque se le dan muy bien los uniformes, está harta de hacer películas con uniformes, pero LA LLEGADA está llena de militares, así que conté con la mayor experta. Y luego estaban los trajes NBQ y los retos de contar con un traje diseñado para meterse en la nave espacial, que parezca real y contemporáneo, pero que también me permita ver los rostros de mis actores. El traje de verdad es preciso, es real. La única diferencia es que normalmente tendrías algo en la cara, así que tuve que crear una forma que permitiera verle la cara al actor. Esa es la única concesión que realicé para el traje”.
“Al hacer ciencia ficción, siempre te alejas de la realidad, en este caso tuvo que resultar a veces incómodo, como esos trajes NBQ, que eran superincómodos”, explica April. “Tienen un aspecto espantoso, que es lo que queríamos. Decidimos utilizar algo que no fuera bonito. No es fácil trabajar con él, pero nos apañamos. Probamos alguna que otra cosa con el traje NBQ, pero quedaba demasiado bonito. Denis y yo pensamos: ‘No funciona, es demasiado’. Lo retiramos”.
Louise Banks en La Llegada con su traje NBQ
Al final, los trajes NBQ son la prenda de vestuario favorita de April. “Son tan feos que tienen algo hermoso”, afirma April. “La forma que tienen de iluminarlos resulta muy interesante, con todos esos reflejos. Tienen todo lo que no quieres en una película. Tienes tropecientos reflejos por todas partes y resulta muy bonito. Tengo muchas ganas de ver qué tal queda”.
En muchos aspectos, eso suponía que el vestuario implicaba menos trabajo de diseño del que suele tener. “No empleé gamas de colores ni nada por el estilo”, explica April. “Trabajo con actores, no soy pintora. Mi trabajo es ayudar a Denis a contar su historia de la mejor forma posible. Los actores son los que llevan el peso de la historia, así que trabajamos juntos para ver qué es lo que más le va al personaje. Por ejemplo, Amy no lleva mucho color de día, es bastante apagado pero, cuando tiene flashbacks, es muy colorido. Eso fue lo único que hicimos en lo referente al color para hacer algún cambio. Eso es todo”.
“Al proceder del mundo de los documentales, me parece que no hay nada más impresionante que la realidad”, explica Villeneuve, “y a menudo la realidad va por delante de tu imaginación. Intenté ceñirme lo más posible a la realidad para tratar de crear una ciencia ficción sucia: una ciencia ficción basada en la realidad, y eso resulta poco espectacular en ciertos aspectos. Renée formó parte de ese proceso”.
LOS ALIENÍGENAS: ABBOTT Y COSTELLO/EFECTOS VISUALES
Villeneuve le dio muchas vueltas al diseño de Abbott y Costello, los dos alienígenas que conocemos en LA LLEGADA. “Abbott y Costello son dos de los personajes principales”, explica el director. “Son los dos alienígenas a los que Louise Banks e Ian Donnelly conocen en la cámara del interior de la nave espacial. Me sentí muy humilde al tratar de diseñar un alienígena. Es un gran desafío tratar de crear algo que no se haya hecho antes. Quería que tuvieran una presencia enorme e imponente, como una ballena”.
“Quería que dieran la sensación de encontrarte cerca de una bestia enorme bajo el agua”, prosigue Villeneuve, “que transmite una fuerte inteligencia o presencia. Tal vez también puedas tener esa sensación con un elefante. Si te topas con un elefante en la naturaleza, da esa sensación de presencia imponente, una presencia instintiva y una profunda inteligencia. Eso es lo que buscaba en el diseño de los alienígenas. Por eso era importante para mí que los alienígenas no tuvieran necesariamente que tener ojos, pero quería sentir su presencia, aunque no tengamos un gran contacto con ellos al principio”.
Pese a que nadie aparte de Banks, Donnelly y los militares han tenido ocasión de ver realmente a los alienígenas, su mera presencia en la Tierra provoca una crisis existencial a mucha gente. “La idea era que, si unas naves espaciales aterrizaran, las sociedades de todo el mundo perderían la cabeza”, explica Villeneuve.
“Porque, para empezar, es una tremenda crisis existencial para la gente religiosa que cree que somos el centro del universo. Personalmente, creo firmemente en la naturaleza, así que me quedaría asombrado si aparecieran unos alienígenas. Hay un fuerte contraste que me encanta —su presencia es muy tranquila, no hacen nada, y aun así esa mera presencia crea el caos alrededor. Donde sentimos silencio y concentración es dentro del casco. Para estar en contacto con los alienígenas, nuestros héroes necesitan entrar en la nave, en una cámara concreta donde pueden intentar comunicarse a través de una pantalla con los alienígenas. No pueden tocarlos. No pueden olerlos. Apenas pueden verlos a través de la extraña neblina, la extraña atmósfera del otro lado. Son como elefantes en la niebla”.
Louise y su equipo se comunicarán con los visitantes para encontrar respuestas. La Llegada
El misterio principal de la historia, el rompecabezas que Banks y Donnelly intentan resolver, es por qué han venido los alienígenas a la Tierra. “Sus puntos de aterrizaje no tienen fines políticos”, explica Villeneuve sobre los lugares a los que llegan las naves alienígenas. “Simplemente se posan en lugares que resultan adecuados para sus naves. Me resultaba importante darle un enfoque nuevo a una llegada, que no una invasión, alienígena a la Tierra. Al final del todo, habrá un momento de colaboración, porque se dan cuenta de que los alienígenas les han proporcionado su cultura, su idioma, por partes. Cuando juntas todas esas partes de su idioma, tienes básicamente una enciclopedia de su cultura y su idioma”.
Villeneuve recurrió al artista Carlos Huante para ayudar en la creación del aspecto de los alienígenas. “Para crear a los alienígenas, colaboré con un artista que me encanta”, explica Villeneuve. “Había estado viendo la obra de diversos artistas, hasta que me topé con la de Carlos Huante; había trabajado con Ridley Scott en ‘Prometheus’ y otras películas. Me pareció que su criatura tenía lo que yo buscaba: un alma, una presencia, un misterio y también mucha originalidad. Formas que no había visto nunca antes. Alienígenas que me parecía que no se habían visto en el cine. Inicié un proceso con él en el que exploré un motón de ideas. Lo más difícil que he hecho en toda mi vida fue tratar de crear una nueva forma de vida”.
La experiencia de Adams trabajando con efectos visuales le vino muy bien, al igual que contar con otros humanos con los que actuar en la mayoría de las escenas. “Haber trabajado antes en películas de efectos especiales resultó muy útil”, aporta Adams. “Únicamente tuve que estar sola una vez, así que aún contaba con un componente humano a mi alrededor, estábamos todos juntos en ello, lo que siempre ayuda porque se crea una cierta energía. Los actores pueden ayudar a crear la energía juntos, pero mi trabajo como actriz es crear lo que no está ahí, creas una relación que tiene que parecer real, lo que viene a ser lo mismo”.
Villeneuve señala que para crear a los alienígenas, se inspiró en las ballenas, pulpos, arañas y elefantes. “Quería que el alienígena fuera una criatura surrealista, que procede del mundo de los sueños, de las pesadillas. En ese aspecto, ha sido un éxito”. Hay cierta ambivalencia con respecto a los alienígenas, ¿son amigos o enemigos? Además, su movimiento y sus cuerpos ofrecen deliberadamente varias posibles interpretaciones y se van desvelando poco a poco a medida que avanza la historia.
“Es un estudio de conducta”, comenta Villeneuve. “El alienígena es una representación de la muerte, y había planos concretos en los que quería que el alienígena tuviera el aspecto de la clásica representación de la Muerte o la Parca. Transmite, desde ciertos ángulos, esa sensación al final de la película. Pasamos por un largo proceso de dibujo hasta llegar a esa forma tan extraña suya. También quería que los espectadores descubrieran a los alienígenas paso a paso a lo largo de la película, no al primer vistazo, así que vamos desvelando poco a poco más características de su estructura y su cuerpo”.
Whitaker señala que tener que actuar con los “alienígenas” sin que estuvieran físicamente presentes y sin saber cómo sonarían supuso ciertos retos. “Cuando llegamos al interior de la nave espacial y empezamos a intentar comunicarnos con ellos, ¿reaccionaría de una forma algo más fuerte si estuviera oyendo esos ruidos de chasquidos de los que hablan?”, reflexiona el actor. “Mi imaginación me permite llegar muy lejos en la escena y tenían a alguien manejando unos muñecos tras la pantalla para que pudiéramos verlos y resultara más real”.
Contar con una representación física de los alienígenas presente en el rodaje resultó de gran ayuda para los actores, aunque no fueran más que representaciones simbólicas de las criaturas. “Tuve que establecer una relación con esos palos con pelotas en los extremos, pero contamos con excelentes titiriteros”, explica Adams sobre cómo se filmaron las escenas, “unos tipos estupendos que corrían de una lado a otro con sus títeres para ayudarnos. Siempre agradezco contar con [esta] gente, no reciben suficiente reconocimiento, porque están allí cada día que estamos nosotros, trabajando todo el día, sujetando un palo durante horas y horas para que podamos interpretar con él. Se lo agradezco mucho”.
“No me gustan los cromas verdes”, comenta Villeneuve sobre algunos de los retos que planteó al diseño de producción y cómo trató de minimizar el uso de efectos visuales y crear experiencias físicas para los actores, en la medida de lo posible. “No me gusta que los actores estén en contacto con algo que no existe, me gusta que estén rodeados por algo real”.
LA ESTÉTICA / SETS Y RODAJE
Villeneuve, Patrice Vermette y Young trabajaron juntos para definir la estética de la película. Una fuente de inspiración para Young fue la fotógrafa escandinava Martina Ivanov, concretamente una serie titulada ‘Speedway’, que estaba en un libro que llevaba Young de un lado a otro. “Cuando recibí el guion, me pareció que era la mejor referencia para la película”, comenta Young. “Las fotografías están en cierto modo estilizadas, pero de una forma muy apagada y natural, y oscura y misteriosa. No oscuro por falta de luz, sino oscuro como patología. La oscuridad es profundamente psicológica. Sus fotografías fueron una inspiración importante a la hora de abordar el aspecto visual”.
“Es una referencia fundamental”, admite Young. “Les entregué las fotografías como un libro de referencia creativa a Denis y Patrice. Le echaron un vistazo y todos pensamos que la película debería ser abierta. Debería ser blanquecina. Debería ser oscura de una forma que nos haga sentir un poco incómodos. Así es como debería sentirse el espectador”.
El color se utilizó como una forma de hacer contraste con esa sensación de oscuridad. “Nunca se trató de utilizar una paleta llamativa, de decir ‘estos son los colores con los que vamos a trabajar’”, explica Young, “pero uno de los colores principales de la película que destacan de verdad es el naranja de los trajes NBQ. Rodeamos los trajes NBQ de colores que les permitieran convertirse en objetos por [derecho] propio. En vez de utilizar colores que polaricen el naranja o creen una dicotomía con lo que no es naranja, lo que hicimos fue emplear esa idea de oscuridad como una forma de llamar la atención sobre el naranja. Porque los trajes son tan reflectantes, que cuanto más los rodees de oscuridad, más se centrará la vista en la espectacularidad de los trajes”.
“Cuando se quitan los trajes, volvemos a esa imagen natural, embebida en lo orgánico”, explica Young sobre cómo el acto de que Louise e Ian se quiten los trajes funciona tanto de forma tanto estética como simbólica. “No se trataba realmente de la paleta de color en sí, más allá de esos objetos naranjas, pero la película da una sensación monocromática porque es nuestra intención no llamar mucho la atención sobre el color. Es realmente nuestro modo de intentar centrar la atención en el tono visual del filme”.
Preparándose para el encuentro. La Llegada
Contar con decorados físicos en los que filmar suponía que Young podía controlar el tono mediante la iluminación y su elección de lente. “Le pedí a Patrice que construyera el interior de la nave espacial”, explica Villeneuve. “Eso fue una gran ayuda para el equipo de rodaje, ya que pudimos crear el enorme túnel y la cámara. No hubo efectos visuales, todo es real, y los actores pudieron sentir la rareza de la sala. El director de fotografía, Bradford Young, pudo filmar con luces y crear un efecto con luces, que era real en esa sala”.
“Los directores quieren tener algo real con lo que los actores puedan interactuar”, comenta Morin. “Crea una atmósfera y un espíritu para los actores. Decidieron construir un túnel de más de 45 m con una sala de entrevistas, que es un lugar físico donde tenemos el elemento de fondo de la pantalla tras la que se encuentran los alienígenas en su atmósfera”. Renner concuerda en que el decorado físico le ayudó mucho, tanto a él como a los demás actores, a interactuar con los alienígenas y su entorno. “Es un decorado real muy interesante”, comenta Renner. “Tenemos que ascender en un ascensor unos 13-18 metros, por un hueco de lo más extraño. Eso nos ayuda como actores, tener todo eso real”.
Tener sets físicos en lugar de rodar ante un croma verde también permitió a Young ir dando forma al aspecto de la película a medida que filmaban. El director de fotografía utilizó lentes de mayor angular de las que había utilizado en películas anteriores. “He tenido que ser un poco más disciplinado y preciso sobre dónde coloco la cámara, porque en espacios pequeños a veces una cámara de gran angular puede obrar en tu contra”, explica Young. “Así que se trataba de ser inteligente y, en última instancia, también de escuchar, porque como director de fotografía no siempre tengo las respuestas sobre dónde debería ir la cámara. A veces es una cuestión de técnica contra sentimiento, para nosotros el punto de partida debería ser siempre el sentimiento. Entonces, si sientes que es lo adecuado, en última instancia puedes usar un angular tan grande o tan pequeño como quieras, incluso cuando el espacio es reducido. Eso añadía cierto nivel de escala y dimensión para que pudiéramos, en definitiva, ser profundamente personales e íntimos, sin perder, al mismo tiempo, la posibilidad de observarlo todo, además de poder apartarnos y guardar las distancias”.
Trabajaron con película digital, lo que facilitó su capacidad de llevar la oscuridad al límite y dar forma a la imagen a medida que trabajaban. “Optamos por filmar en digital”, explica Young. “Ha sido superútil, porque nos permite ver [en el momento] lo que estamos grabando. Cuando fuerzas tanto la oscuridad, no tienes que estar comiéndote las uñas esperando a que te manden los negativos para saber si tienes imagen. Lo que sí elegimos hacer fue usar distintos tipos de lentes a lo largo de la película, podíamos cambiar incluso dentro de la misma escena. Los distintos fabricantes de lentes tienen cada uno su propia personalidad. Podíamos usar una lente de un fabricante para un primer plano y otra lente distinta para un plano general. De nuevo, eso contribuye a ese aire tremendamente naturalista e imperfecto de la película, en el que en cuestión de perspectiva lo que importa no es la precisión. Eso aporta una cierta ingenuidad al filme que no se conseguiría si nos hubiéramos mantenido con un tipo concreto de perspectiva en cuestión de lentes”.
“El uso de distintas lentes dota a la película de una realidad con distintas texturas que a menudo es difícil de conseguir con la tecnología digital”, aporta Young. “Nos da la capacidad de empezar con una imagen que es más fílmica de lo que lo sería si utilizáramos el mismo tipo de lentes. Queríamos que la imagen fuera un poco más imperfecta, y utilizar varias lentes distintas ha ayudado mucho”.
“Todo en la nave ha sido emocionante”, opina Young. “El 90% de la película se desarrolla fuera de la nave, estamos mucho en la nave, pero la mayoría del filme se ambienta fuera. En esos espacios, tengo la sensación de estar explorando cosas que ya he explorado en otras películas, pero cuando entramos en la nave, es algo que no había hecho nunca antes. La forma de abordarlo también me parece territorio inexplorado”.
“La nave ha sido muy interesante porque es también el espacio donde hemos tenido que ser un poco más precisos”, explica Young. “Las líneas nos obligan a ser algo más exactos de lo que habríamos sido, de haber estado en las tiendas, o en la casa, o en todos esos lugares que conocemos como seres humanos, que ocupamos cada día, de los que conocemos cada rincón. Esto es un territorio desconocido, cuando estoy en la nave espacial, me siento como si estuviera rodando una película por primera vez, porque es un elemento de arquitectura. Es un set de rodaje, un elemento de realidad en el que nunca había trabajado antes. He tenido que dejar de lado mis propias ideas de lo que es real y lo que no lo es a fin de transmitir sentimientos. Ha sido muy emocionante”.
Pero, debido a las restricciones impuestas por la realidad, todavía fue necesario recurrir a los efectos digitales. “Eso es algo que procesaremos después digitalmente, porque por supuesto teníamos que crear a los alienígenas, ya que no pude realizar un casting en júpiter, así que tuvimos que inventarlos. Pero utilizamos titiriteros que movían figuras delante de esa amplia pantalla. Era muy poético y conmovedor, tiene cierta relación con el cine de antes en ciertos aspectos. Ver a Amy Adams y Jeremy Renner hablando con esa enorme esfera flotante y esas presencias, fue un momento precioso”.
El trabajo de Morin con los efectos visuales era no solo crear las naves y seres alienígenas ideados por Villeneuve y su equipo de diseño, sino también realzar la realidad humana y los efectos de la atmósfera alienígena. “Los alienígenas controlan la gravedad”, explica Morin. “El ejército digital, que va vestido con trajes NBQ, suben en el ascensor y básicamente saltan y caminan por la pared; esa es otra parte importante de los efectos visuales de esta película. El tema de la gravedad es todo un reto y hay algunas escenas peligrosas que también tienen que ver con la gravedad. Pero la clave de la historia es el encuentro con el alienígena. Louise conoce al alienígena en lo que calificamos como la sala central, es un entorno totalmente digital, con un alienígena digital”.
Las naves se posaran en diferentes puntos de la Tiera. La Llegada.
Morin también tuvo que crear la imagen de las naves espaciales flotando sobre una docena de lugares distintos del mundo. “Usamos pinturas mate y recreamos todos esos lugares desde los distintos ángulos”, explica Morin. “También los satélites espía y un montón de material militar, como helicópteros y drones, así que hubo que crear muchas cosas digitalmente”.
Era la primera vez que el director de fotografía Young trabajaba con efectos digitales. “Era mi primera película con efectos visuales”, admite Young. “Ha sido un gran reto trabajar con tantos efectos visuales como hemos usado en este filme. No era consciente de lo complicado que resultaría tomar una película que pretende ser tan natural e incorporarle efectos visuales creados posteriormente. Estoy aprendiendo mucho sobre cómo hay un buen puente, hay una conversación entre hacer películas embebidas en un naturalismo extremo, en las que luego metemos esos temas existenciales y abstractos. Cuando incorporas esos existenciales y abstractos, se puede tender un puente maravilloso con los efectos visuales. Ha sido un gran reto rendirse a esa idea de que los efectos visuales pueden en última instancia ayudarnos en el proceso, en esta experiencia de creación de una película. Este es un filme en el que, llegados a cierto punto, no tenemos todas las respuestas. Va a ser interesante ver qué hacen más tarde para completar nuestra visión”.
Morin señala que es el trabajo que realizaron de antemano tanto el director, como el director de fotografía, como él mismo, lo que realmente define el buen resultado que darán los efectos visuales. “El director colabora con el artista de storyboards”, explica Morin. “Basándonos en eso, empezamos con la previsualización, luego la revisamos con el director y el director de fotografía e involucramos a todo el mundo. Ofrecen sus comentarios e intentamos afinarla. Después de eso, tenemos lo que llamamos la visualización técnica, que ofrece la posición de la cámara, el movimiento de los actores o elementos digitales para la línea visual. Esos elementos son esenciales para contar con un rodaje perfectamente sólido porque la idea de los efectos visuales en un rodaje es conseguir los mejores elementos posibles. Si empiezas con eso, ya no hay que problemas que arreglar, podemos realzar la imagen y hacer que el plano quede genial”.
Villeneuve quería que la nave espacial pareciera estar hecha de materiales inexistentes en la Tierra y desconocidos para la ciencia, pero también quería que la nave echara por tierra nuestros conocimientos de física. “La composición de la nave espacial será totalmente desconocida [para nosotros] en la Tierra”, comenta Villeneuve. “Su forma de funcionar también, su forma de viajar por el espacio también será totalmente distinta de lo que hemos visto nunca. Debo reconocer el excelente trabajo de mi equipo de montaje, Joe Walker y la gente de Frames Store, que estuvieron fantásticos ayudándome a crear la marcha de los alienígenas al final de la película”.
Mientras que Villeneuve quería que los alienígenas y su nave resultaran tan desconcertantes y de otro mundo como fuera posible, también quería por otro lado que todo lo relacionado a los humanos y nuestra tecnología fuera lo más realista posible. “El diseñador de producción trabajó mucho”, explica Villeneuve. “Queríamos que la película fuera lo más real posible, así que Patrice realizó una enorme [cantidad de] documentación para asegurarse de que todo el material empleado por los militares fuera lo más exacto posible, y también sencillo y nada espectacular. No quería que los humanos utilizaran tecnología que no exista. Quería que usaran lo que está disponible en la actualidad, las herramientas que podríamos usar para contactar y hablar con alienígenas”.
Villeneuve se quedó estupefacto cuando la labor de documentación reveló que el método empleado sería increíblemente rudimentario. “Fue asombrosamente sorprendente”, prosigue el director, “porque, para hablar con alienígenas, utilizarías una pizarra blanca con un rotulador y dirías ‘hola’. No hay muchas formas de aprender un idioma, de expresar un idioma. A fin de cuentas, viene a ser como enseñar a niños, y a mí eso me parecía una imagen insólita, ver la banalidad de ese proceso [en el contexto de un] contacto con algo tan impresionante como otra civilización. Patrice se aseguró de que hasta el más mínimo detalle de la película fuera auténtico, desde los trajes NBQ que llevan al equipo que emplean. Objetos de la vida cotidiana entrarán en contacto con esa nueva civilización e intentábamos enfocarlo al nivel más humano y humilde posible”.
IDIOMA Y DISEÑO DE SONIDO
La comunicación y el idioma de los alienígenas son fundamentales tanto para la historia como para la estructura de la película, ya que proporcionan a la vez que desvelan la estructura narrativa de la misma. “La belleza del relato corto es que trataba sobre el lenguaje”, explica Villeneuve. “Me entusiasmó el relato corto porque exploraba el lenguaje de una forma hermosa, poética e impactante. El problema es que la exploración intelectual del lenguaje puede resultar fascinante en el relato corto, en una novela, sobre el papel, pero en una película necesitaba algo para crear tensión. La presencia y el impacto de los alienígenas tienen más peso en el filme que en el relato corto. Ojalá hubiera tenido más tiempo para explorar el lenguaje en la película, pero la película no lo permitía. Eso es lo único que lamento, ojalá hubiera podido acercarme más al relato corto en ese aspecto”.
Tanto la forma escrita como “hablada” del idioma alienígena planteaban retos muy concretos, al igual que la creación del sonido de la nave espacial. “El diseñador de producción tenía una tarea enorme en este proyecto, que era crear el interior de la nave espacial y, sobre todo, inventar el idioma”, explica Villeneuve. “Patrice pensó en pedírselo a la artista, Martine Bertrand, que nos encanta a ambos. A ella se le ocurrió la idea de un enfoque abstracto. Yo quería que el idioma resultara casi aterrador y sumamente impresionante, no quería algo que se pudiera asociar con ningún idioma humano, sino que quería que fuera producto de otra forma de pensar. A Martine se le ocurrió el concepto de círculos abstractos que casi parecen manchas de café. Tal vez surgiera de ahí la idea… Es una de mis partes favoritas de la película, cómo concibió ese idioma”.
Villeneuve en el set de La Llegada.
Se invirtió mucho esfuerzo en la creación de un idioma creíble. “Patrice elaboró un diccionario”, explica Villeneuve. “Creó una estructura, cómo elaborar las palabras, cómo se construían las palabras. Había pilas enteras de documentos explicándome el idioma. Fue verdaderamente maravilloso ver el nivel de detalle y pasión que Patrice aportó al proyecto, fue de locos”.
La creación de la lengua hablada de los alienígenas fue un desafío que Villeneuve solo tuvo que afrontar en posproducción. “Cuando llegué a la posproducción, me encontré con otro enorme reto por delante, que fue desarrollar la forma de hablar de los alienígenas”, comenta Villeneuve. “Ya habíamos concebido la lengua escrita, pero luego estaba el sonido. Joe Walker, mi montador, me habló de un tipo, Dave Whitehead, que vive en Nueva Zelanda, y es conocido por su trabajo en una película de Neil de Camp o en El Señor de los Anillos. Es un maestro del sonido, uno de esos tipos que tiene conocimientos sobre las ondas sonoras, que puede explorar y desarrollar idiomas extraños. Le pareció que la idea era un reto maravilloso y empezó a idear la lengua con Joe Walker. Fue un proceso muy largo y fue muy generoso. Estoy muy orgulloso de la forma de hablar de los alienígenas. De hecho, no es hablar, es expresar emociones a través del sonido. Lo que me encantó de David es que tenía una profunda lógica, que se basaba en la forma en que los alienígenas estaban diseñados, su cuerpo”.
“La cuestión es que el sonido que más impacta es el silencio”, explica Villeneuve sobre el diseño de sonido. “Intente dejar respirar a la película. El enfoque es bastante minimalista. Sylvain Bellemare, el supervisor de montaje de sonido del proyecto, aportó algunos sonidos asombrosos. Los alienígenas son silenciosos pero, cuando se mueven o hacen algo, el ruido que hacen es realmente extraordinario”.
“Necesitaba a alguien que fuera a abordar el sonido de una forma demente y encontré a un diseñador de sonido demente”, confiesa Villeneuve. “Uno de mis amigos, Sylvain Bellemare, era la persona perfecta para diseñar el sonido de esta película. A Sylvain se le ocurrió la disparatada idea de ese sonido de impacto rocoso, como el ruido de un terremoto, para cuando la nave espacial se mueve, uno de los sonidos más impactantes que he oído en el cine”.
MONTAJE / POSPRODUCCIÓN
“Cada película tiene sus propios retos y, en esta, uno de los mayores fue el montaje”, admite Villeneuve. “La Llegada se lo debe todo a Joe Walker. Cuando llegamos a la sala de montaje, el guion trataba sobre ese proceso que Eric [el guionista] había logrado idear para crear una estructura, pero nos dimos cuenta, mientras nos encontrábamos en la sala de montaje, que esa estructura no era lo suficientemente dinámica y que la sensación de repetición que tanto me temía estaba presente, y además había cierta incongruencia en la conducta de determinados personajes”.
“Al final, abordamos la película como si se tratara en cierto modo de un documental”, explica Villeneuve, “la reestructuramos y trabajamos con lo que teníamos. Reestructuramos la película de una forma que parecía menos lineal, que abrazaba más sus temas y conceptos principales. Joe hizo un trabajo fantástico. Le debo mucho y me siento muy orgulloso”.
Louise Banks y Ian Donnelly pondrán en peligro todo en La Llegada
Villeneuve comenta que Walker y él trabajaron largas horas durante toda la fase de montaje. “El proceso de montaje es mi parte favorita de una película”, declara Villeneuve, “Nos esforzamos mucho en la sala de montaje para crear esta película y, cuando cobró vida, nos alegramos mucho”.
“La cuestión es que, a veces, cuando lees el guion, hay anotaciones escritas que te explican lo que está sucediendo y entonces lo entiendes”, aporta Villeneuve sobre cómo la estructura de la historia realmente solo se consolidó en la sala de montaje como consecuencia de los retos que planteaba contar una historia no lineal. “En la película, nos dimos cuenta de que es muy difícil ir contra cien años de lenguaje cinematográfico. Se decían ciertas cosas al principio de la película que resultaban tan impactantes que era muy difícil lograr que el espectador desconectara de eso y comprendiera hacia dónde íbamos, qué estaba pasando exactamente”.
La estructura narrativa de la historia es crucial para su significado y ese significado se desvela a través de un giro inesperado de la trama. Costó mucho trabajo trasladar esa estructura de la palabra escrita en papel a un medio más visual como es el cine. “Fue todo un reto, porque era muy eficiente sobre el papel”, explica Villeneuve, “pero en la pantalla fue complicado cambiar la percepción del espectador de una forma eficaz. Fue un proceso largo, un proceso largo que nos obligó a darle muchas vueltas en la sala de montaje”.
CONCLUSIÓN
“El ambiente en el set de rodaje viene siempre determinado desde lo más alto”, comenta Levine. “Si tienes un gran director, que es brillante, pero a la vez escucha y quiere conocer las opiniones de los demás, así consigues que el reparto y el equipo se sientan muy cómodos. Ese fue el caso aquí. Lo que siempre me llamó la atención de Denis es que se tiene visiones, o se despierta con ciertas ideas, como si las cosas estuvieran casi predestinadas. Se muestra tan seguro y a la vez tan atento que hace que te sientas muy seguro con él en la dirección. Es un maestro del suspense y la tensión, pero la cuestión clave en él es que comprende el componente humano de un guion, la intensa emoción, la profundidad dramática de cada personaje. Posee un alma profunda. Es un artista. Cada vez que veo una película suya, es una experiencia maravillosa”.
“En mi desarrollo como creador de imágenes, busco trabajar en historias que me permitan aproximarme a la experiencia humana”, aporta Young sobre lo que le interesó de La Llegada. “Esta, con todos sus matices, podría ser la síntesis perfecta de todos mis trabajos anteriores, ya que hemos sido enormemente experimentales y al mismo tiempo enormemente crudos. Todas las películas anteriores en las que había intentado experimentar con ambas cosas, al mismo tiempo o por separado, parece que se juntaron en este filme”.
“Es una carga enorme ser original y mantener a la vez los pies en la tierra, pero aquí nos hemos esforzado mucho por ser originales”, asegura Ryder. “Denis ha sido un tremendo colaborador para todos nosotros a lo largo de todo el proceso de esta película, desde la elaboración del guion hasta el diseño, se le ocurrieron cosas que nosotros nunca habríamos pensado. Ni en un millón de años me habría imaginado las naves con el aspecto que tienen, ni película con el aspecto que tiene, pero él lo tenía en su cabeza. Estamos trabajando aquí con alguien realmente extraordinario”.
Renner opina sobre el resultado final: “Es mucho más grande de lo que me imaginaba, no en cuestión de tamaño, sino en la escala emocional, aunque también en las naves, la magnitud de la película y la fotografía. Se puede ver la mano de un verdadero director y director de fotografía en esta película. Eso es gracias a los efectos visuales, participa mucha gente en esta clase de cosas. Pero esta película es todo cosa de Denis, él la ha hecho lo que es mediante sus ideas y su enorme esfuerzo. Es muy paciente y considerado y ha conseguido contar esta historia a partir de una pareja de actores muy aislada”.
Aunque se gana la vida con los efectos visuales, Morin espera que apenas se noten en La Llegada. “No quiero que se hable de los efectos visuales, quiero que se metan en la historia”, afirma Morin. “Trata de una historia humana y, si lo hacemos bien, se olvidarán de nosotros, se meterán en la historia y se limitarán a disfrutar con la película”.
“Esta película trata sobre nuestro creciente entendimiento de nuestro lugar en el ciclo del universo”, explica Whitaker. “Explora, dentro de eso, la comunicación y el tiempo. Lo que significa el tiempo, si existe y si lo único que tenemos es el momento presente. Es un concepto muy interesante, que todos deberíamos examinar”. Whitaker también apreció la habilidad y la pasión de Villeneuve por el proyecto. “Es muy entusiasta y tiene una idea muy clara de lo que quiere ver. No desperdicia energías. Cuando ve que tiene lo que quiere, sigue adelante. Tiene una seguridad a la hora de hacer las cosas y un entusiasmo que ha afectado a la mayor parte del equipo”.
Whitaker también disfrutó mucho trabajando con los demás actores, en especial con Adams. “Es una artista sumamente entregada, está muy centrada y posee una gran inmediatez en cuanto a sus emociones y sentimientos”, prosigue Whitaker. “Es realmente especial y extraordinaria. Cuando vives tanto en un idioma que empiezas a soñar en ese idioma y empieza a cambiar tus patrones mentales, podemos ver las dificultades que eso le causa”.
Conclusión. La Llegada
“Amy Adams no solo es una de las mejores actrices vivas, si no la mejor, sino que también es la persona más encantadora del mundo y extraordinariamente trabajadora”, comenta entusiasmado Villeneuve. “Quería darlo todo. No cuestiona nada, está ahí para entregarse y es muy generosa. Es muy fácil trabajar con ella, muy fácil de dirigir. Amy aportó en todo momento alegría al rodaje, incluso en los momentos más duros”.
Whitaker cree que los espectadores quedarán cautivados y tendrán sentimientos encontrados sobre cómo se desarrolla la historia. “La gente va a poder disfrutar con un viaje psicológico y emocional muy interesante a lo largo de la película”, propone Whitaker. “Se sentirán entusiasmados también, porque, en cierto modo, ganas cuando el mundo entero se une y ganas, también, cuando ella tiene a su hijo”.
“Es una película con mucho suspense, tiene algo que resulta muy tipo Hitchcock”, opina O’Brien, “porque no estamos del todo seguros de qué va a pasar. Se estira de esa forma típica de Hitchcock. Al ser tan misteriosa y de otro mundo, mantendrá atrapados en todo momento a los espectadores”.
“Estoy deseando ver la película con un público”, afirma entusiasmado Levine, “porque se van a quedar de piedra. La gente se quedará boquiabierta, totalmente atrapada en la historia. Cuando crees que ya sabes por dónde van a ir las cosas, te das cuenta de que es algo completamente distinto, pero funciona a la perfección. Es un final tremendamente emotivo e impactante, que estoy deseando experimentar a través de los ojos de otras personas”.
